Cuadros abstractos famosos

Hilma af Klint es llamada la pionera del arte abstracto. El interés en ella hoy no es solo como artista mística, sino también como una de las primeras mujeres que determinaron de forma independiente tanto su profesión como su forma de vida. Esta pintura es una de sus obra maestras más reconocidas.

Los «Cuadrados negros» de Malevich se han convertido en un tema controvertido en el arte mundial. Hasta ahora alguien, casi repitiendo las memorias de la artista Vera Pestel de 1916, grita indignado: «¡Sí, es fácil! ¡Cualquiera puede hacer esto! ¡Y el niño lo hará! Y otros buscan nuevos significados en las obras. 

La obra de Paul Klee se atribuye también con razón a los principales movimientos artísticos del siglo XX – expresionismo, cubismo, surrealismo, abstraccionismo, y su nombre ocupa con razón un lugar entre los primeros maestros del arte no objetivo. Esta obra maestra del arte abstracto es una de la más cotizadas.

¿Qué representa esta imagen?. Nada específico. Sin embargo, anima al espectador a pensar en las intenciones del artista. Supongamos que no quisiera representar cosas terminadas y listas para usar, sino que mostrara algo a partir de lo que podrían ensamblarse o construirse. Es como un juego, cuando creas lo que quieres a partir de piezas multicolores separadas…

La imagen yuxtapone el blanco frío con los cálidos rojos y amarillos, quizás simbólicos, como una especie de pintura rupestre, de la creación del hombre y la imagen de su triste mortalidad. Inspirada por el interés de Klee por los jeroglíficos, Muerte y fuego sugiere que la abstracción y la representación han sido medios de expresión complementarios desde tiempos inmemoriales.

Mark Rothko fue un artista de moda en los años 40. Las personas más adineradas del mundo compraban sus cuadros por la reputación como intelectual de artista, y las manchas de colores brillantes encajaron sorprendentemente bien en el interior moderno de los años 40. Fue unos de los principales exponentes del expresionismo abstracto.

Franz Kline es el representante más brillante del expresionismo abstracto, quien se hizo famoso durante su vida y dejó en el mundo sus pinturas únicas, que hoy se venden por millones de dólares. Fue capaz de formar imágenes únicas de «ruptura», inspiradas en estructuras, puentes, andamios en ruinas o sin terminar.

Los años cincuenta fueron un período increíblemente productivo para Pollock. Fue en los años de la posguerra cuando el artista perfeccionista creó su técnica de pintura única de goteo, que cambió para siempre el curso de la historia del arte. Trabajando en el plano de la imagen, Pollock controló con precisión el dibujo de líneas.

«Onement VI» se refiere a las llamadas pinturas de rayos de Newman, en las que una franja vertical azul «corta» un fondo azul oscuro. «Onement» en inglés antiguo significa «solo», lo que para Newman significaba estar solo con su creación. Barnett Newman fue unos de los máximos representantes del arte abstracto expresionista.

La historia de esta obra maestra es asombrosa. Se deslizó mágicamente a través de la Cortina de Hierro soviética, escapó milagrosamente del fascismo, viajó a través del océano, sobrevivió a un litigio sangriento y, al final, terminó en la subasta de Sotheby’s, convirtiéndose en uno de las más la obras más cara en la historia del arte ruso.

El propio artista afirmó que vio en un sueño cómo se pintó la bandera de los Estados Unidos y luego, al despertar, se puso a trabajar. Jones interpretó el tema de la bandera estadounidense en una serie de otras obras creadas durante ese período de tiempo. Las obras más notables aquí son White Flag (1955) y Three Flags (1958).

Ben Nicholson es un artista de vanguardia inglés, uno de los mayores representantes del arte sin objetivo. Sintetizó un estilo único a partir de una combinación de elementos del cubismo y la abstracción geométrica. También es conocido por sus trabajos pioneros en relieve y grabados. Esta es una de las obras más representativas del artista.

A fines de la década de 1940, este pintor estadounidense desarrolló un estilo único que ahora es reconocible en todo el mundo: la pintura por goteo. En esta obra transmite la defensa de la libertad de expresión y plasmar sus ideas sobre la guerra fría. Se recogió para hacer un rompecabezas y fue considerado el más difícil del mundo.

En la primera pintura surrealista de Juan Miro «Carnaval del Arlequín» (1924), criaturas fluidas e ingrávidas cambian arbitrariamente su forma y posición en el espacio, convirtiéndose en sombras de colores oscilantes o imágenes oníricas. Esta obra es considerada por los historiadores del arte como una imagen del subconsciente humano.

Piet Mondrian introdujo su término «neoplasticidad» para referirse a sus pinturas geométricas abstractas. En sus lienzos, el artista utiliza líneas rectas excepcionalmente claras, tres colores principales y secundarios negro, blanco y gris. Este fue su trabajo final, que el artista creó inspirado en su música favorita y el mágico Manhattan.

La serie de Retablos se produjo apropiadamente como las piezas finales de las Pinturas del Templo . Siguiendo constantemente los temas de espiritualidad en su práctica, estas obras son casi diagramas y abstracciones de sus ideas, que representan las interpretaciones de Af Klint de un mundo invisible y sus fuerzas invisibles.

Klee representa lo que parece ser una cabeza humana dividida en varios rectángulos de color naranja, amarillo, rojo y blanco. Los diferentes cuadrados de color se asemejan a un tipo de máscara o parches que tradicionalmente usa un arlequín, lo que se implica además en la referencia al artista-intérprete Senecio en el título de la obra de arte.

La sensación de pura libertad dentro de esta obra de arte se sumó al nivel de abstracción que Motherwell usó en su obra de arte. Dentro de Elegía a la República Española No. 110 , esta abstracción sirvió como una conmemoración del sufrimiento humano y el círculo implacable de la vida y la muerte.

Delaunay aplicó su lenguaje pictórico de contrastes simultáneos de colores a las formas circulares. En Ritmos hay una alusión a los cuerpos celestes del sol, la luna y los planetas. Formas circulares de tonos brillantes de rojo y azul se adhieren al fondo blanco y parecen flotar en el espacio.

Esta pintura contiene imágenes figurativas divididas en bloques separados y franjas de color sobre un fondo blanco o negro. Este artista construyó composiciones entrelazadas utilizando formas redondas o puntiagudas de forma más o menos cubista. Es una de las obras más representacivas de Theo Van Doesburg.

Durante el apogeo del expresionismo abstracto, Ellsworth Kelly exhibió pinturas monocromáticas de paneles múltiples en la década de 1950. El arte que creó Kelly marcó la pauta para muchos de los estilos artísticos que siguieron, incluido el minimalismo, la pintura de borde duro, los campos de color e incluso el arte pop.

La mujer de De Kooning ya se basa en ninguna noción de armonía o universalidad. Ella está sola, mirándonos fijamente, con ojos saltones, en todo su colorido estridente, completamente rebelde, estallando en cada costura. Y ella está viva dentro de un contexto general de rebeldía pictórica.

Cuando Bridget Riley exhibió por primera vez sus pinturas abstractas en blanco y negro en la década de 1960, la gente se asombró de cómo parecían moverse. Este estilo de pintura se conoce como op art. Los artistas op juntan colores, formas y patrones de manera inteligente para crear una ilusión óptica. 

Las formas geométricas y simétricas están cuidadosamente dispuestas, antes de ser cubiertas con tinta, las líneas negras fueron dibujadas con un bolígrafo a priori. Counter-Composition VI es parte de una colección que valora particularmente la forma diagonal y los tonos monocromáticos.

Esta es una de sus obras más famosas, titulada “Composición VI”, y está dedicada al Diluvio y pretendía mostrar la grandeza del acto de la creación y el nacimiento de lo nuevo a través de la destrucción de lo viejo. Si miras de cerca la composición, no es completamente inútil. En él se distingue la imagen de un velero, olas y otros elementos.

Tras la sexta composición, nació la séptima, que se considera la cúspide de la obra del artista. En este cuadro, se añaden otros temas bíblicos al tema del Diluvio. El enorme lienzo, de 2 por 3 metros, causa una profunda impresión en el público. No es de extrañar que la imagen se considere una obra maestra de la pintura abstracta.

Además del color, en esta obra aparece la forma favorita del artista: el círculo, que a menudo se encuentra en sus otras obras abstractas. Según Kandinsky, hay una fuerza interior enorme en el círculo, hay una tensión enorme en él, y cuando se le añade color, ya es la suma de muchas tensiones.

En la pintura «Moscú. Plaza Roja» se ve todo un torbellino de esta vida interior y exterior. En el centro del lienzo hay una pareja de enamorados, capturados por el ciclo de la acelerada vida metropolitana. Numerosas casas, aceras, templos, bandadas de pájaros, rayos de sol, de nuevas casas y de nuevos templos…

Esta obra fue creada cuando el artista reflexiona sobre la percepción de los colores. El propio autor aconseja al espectador, al considerar una imagen, que primero se concentra en un solo color y luego observa cómo interactúan los colores entre sí y qué tipo de respuesta provoca.